La maravillosa imagen de Max von Sydow e Ingmar Bergman

Por: Katherine Gerena

Hace unos días conocimos el descenso Max von Sydow a los 90 años de edad. Algunos directores se casan con figuras del cine que marcan y sellan con originalidad sus producciones que durarían siglos: Bergman, por ejemplo, se casó con von Sydow quién impregnó con su sello la asombrosa filmografía del guionista y teatrero sueco. Con su fallecimiento, ha muerto el último rastro vivo del director clave de la segunda mitad del siglo XX.

Max von Sydow desde muy temprana edad montó con varios de sus compañeros un club de teatro y posteriormente, decidió hacerlo parte de su vida estudiando en la Real Escuela de Arte Dramático en Suecia. Fue en el teatro donde sus pasos se cruzaron con el camino de Ingmar Bergman: “Diez años de diferencia nos llevábamos. Yo estaba estudiando y él ya actuaba y dirigía teatro. Yo había escuchado de él frente a sus grandes controversias que destapaban sus producciones”.

Bergman luego se mudó a Estocolmo pero Max von Sydow le alcanzó su camino para finalmente convertirse en su musa, su “alter-ego”. Fueron en total 11 producciones colaborativas entre el actor y el director sueco. Von Sydow le regaló al cine de Bergman su auténtica voz en once películas que marcaron un hito en la filosofía y compresión del ser humano. Un cine tan oscuro y a veces incomprensible pero tan rico en una imagen poética.

Si bien es cierto, su alianza y trabajo coordinado entre estos dos sujetos le abrieron a Max las puertas de Hollywood con joyas icónicas del cine como El Exorcista, Dune, Los tres días del cóndor, Shutter Island, Flash Gordon, entre otros; es clave resaltar el fruto de esta unión transpersonificada que logró analizar la psique colectiva el actor tras los lentes del dios Bergman a 102 años de su nacimiento. He aquí, las indispensables de este pacto:

Wild Strawberries

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Amo profundamente Fresas salvajes, recuerdo que en el centenario de Bergman, la cinemateca de mi ciudad estaba dando una semana completa celebrando su nacimiento y escogí esta película para analizarla más a fondo en la pantalla gigante. Adoro la transición entre la compañía y la soledad, la inexistencia del tiempo y del espacio, los recuerdos y los sueños. Delicada, agridulce, compasiva, inflexible, demoledora e incluso, por momentos, bastante cruda; esta película juega como el malabarista en la cuerda: al filo; entre la muerte y la vida, la vejez y la infancia, los amores y desamores, el dolor y la alegría.

Through a Glass Darkly

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Cuando pienso en esta película, es indiscutible que me trae a la memoria diferentes escenas de la película The Mirror de Andréi Tarkovsky. El auténtico Bergman mencionaba que esta fue una de sus primeras obras porque era bastante testarudo y se exigía demasiado tras las cámaras. Esta película es un acercamiento a Dios, es el espejo en el cual miraríamos y veríamos su imagen. Yo, honestamente después de haber visto esta película, afirmó haber visto a Dios y ese ser omnipresente siempre ha sido para mí él: Bergman. A través del espejo relata la figura de dios para el director donde él justifica que es totalmente alucinador e incoherente que exista un Dios protector o salvador. Falta de esperanza, fe y amor es todo lo expresado en este filme.

The Hour of the Wolf

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Si podría hablar de la película más abstracta de Bergman, sería esta. Con unos toques de terror psicológico nunca perdió el ápice de lo que quería lograr con ello: hacer de lo invisible, visible; conjunta o individualmente. El movimiento de esta película va hacia dentro, hace un eco de lo irreconocible y por momentos, el hilo se siente tan denso de poder tragar. Como una disección que haríamos en una clase de biología, Bergman indaga y se adentra del alma humana para poder investigar. Herman Hesse hablaría de la figura del lobo en su libro The Steppenwolf años posteriores y tendrían la misma orientación para el director: el peligro que continuamente nos acecha.

The Virgin Spring

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El manantial de la doncella recibió el Óscar a mejor película de habla no inglesa en 1961. Todas sus películas, Bergman las consideró nada más que como “ensayos”, “intentos fallidos” puesto que como había mencionado anteriormente, fue muy exigente en su trabajo. El grande contenido religioso en esta obra, que difiere el bien del mal, es una búsqueda del Dios que tanto he hablado en esta columna. Sobre este filme se han escrito cientos de folios al encontrarse bastantes conjeturas entre el desarrollo de la película y es por este detalle que Bergman también ha sido odiado entre sus espectadores como alabado.

Winter Light

Nattvardsgästerna (1963) Filmografinr: 1963/03

Me sorprende que entre más una se adentra a la producción de Bergman, más se da cuenta de su frecuente preocupación. Por momentos me gusta creer que él fue el Camilo Torres de Suecia quien se cuestionaba la teología en todo momento que la vivía. Carl Jung menciona en sus libros de psicoanálisis, donde aborda el inconsciente de la mente, que la religión ha sido un arquetipo colectivo y ha generado una importante significación para las personas. Bergman, era una de esas, preocupada por la cuestión religiosa que a través de sus percepciones sobre la misma y la fe, intentó reconstruir el significado de la vida y un nuevo acercamiento a Dios resumido en una película.

The Seventh Seal

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No podía cerrar esta columna sin hablar de la auténtica obra maestra del Séptimo sello que todos recordamos por la escena de la muerte jugando el ajedrez. Bergman creció en una familia devota y su padre fue el primero quien le infundió este conocimiento. Mientras que él predicaba desde el púlpito y la congregación cantaba, rezaba o le ponía atención; el pequeño Bergman centraba toda su atención en el misterio de la iglesia: sus colores, su aroma, los gruesos muros, la luz que atraviesa los vitrales, los colores de los cuadros religiosos, la madera que le decoraban. El séptimo sello es una alegoría de una relación muy sencilla que experiencia la vida de todas las personas en el mundo: el hombre, la búsqueda de Dios y la muerte como única seguridad.

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